sábado, 9 de julio de 2016

PLANOS FOTOGRÁFICOS


 Aquí les dejo este material de un colega fotográfico de la web de los blogger referente a los tipos de planos fotográficos que hay:.

Cada vez que miras por el visor de tu cámara, encuadras y aprietas el obturador, estás usando un plano. Seguramente a estas alturas muchos de ellos los usas por intuición, o te has acostumbrado a algunos de ellos porque te sientes cómodo/a, es tu estilo o no te has parado a pensar demasiado en ello y en las muchas posibilidades y mensajes que transmiten.
Como plano se entiende el nivel o proporción y el ángulo que ocupa tu protagonista dentro del encuadre, y dependiendo de ello, puedes decidir qué vas a explicar; ¿Quieres estar cerca?, ¿Lejos?, ¿Quieres situarlo en un contexto?, ¿Quieres dar más importancia al contexto que a tu protagonista? ¿Vas a fotografiarlo directamente a los ojos?, o ¿Vas a fotografiarlo desde un lugar elevado?
Los planos ofrecen múltiples significados y sensaciones, y utilizarlos de forma consciente, se convertirá en una forma más de transmitir una emoción, un mensaje; en definitiva, te ayudarán a explicar la historia que has decidido representar en imágenes. Vamos a ver todos los tipos de planos diferenciados en dos grupos, el primero agrupará los planos en función del tamaño que ocupa un sujeto en la escena (cercanía o lejanía) y el segundo, en función del ángulo del protagonista con respecto a tu cámara.
En función del tamaño que ocupa el sujeto en la escena (cercanía o lejanía)
Gran plano general o plano largo:
El plano general es el más descriptivo, ya que es el plano más abierto (el que capta más porcentaje de escena). Aquí los personajes no tienen identidad o tienen muy poca, ya que lo importante es la localización; el escenario o contexto de la imagen. Los planos generales o largos (a veces también llamados panorámicos) son los que usas por ejemplo para fotografiar paisajes, ya sea urbanos o naturales. Aunque en principio, es un plano en el que no destacan personajes en concreto, puedes usarlo para transferir dramatismo a la imagen. Una persona (u objeto) sola en medio de un vasto espacio, nos lleva automáticamente a un sentimiento de soledad o desapego.
Para este tipo de planos, el objetivo más recomendable es el gran angular (de 14mm hasta 30mm aproximadamente), por ser el que más ángulo permite recoger de una escena.

Plano general:
Este plano te permite contemplar los personajes de cuerpo entero pero también una amplia información del contexto; te permite reconocer al sujeto y al entorno de forma precisa. No es tan ‘impersonal’ como el anterior, pero el fondo sigue siendo en este punto, igual de importante a nivel visual, como el objeto o persona retratados. Este tipo de imágenes puedes encontrarlas en fotografía documental, moda y viajes entre otros. Es muy utilizado en el lenguaje cinematográfico porque permite situar al espectador en un contexto claro y preciso.

Plano entero (o plano figura):
El plano entero muestra el sujeto de forma completa, encuadrado por el marco de la fotografía desde la cabeza a los pies pero sin cortar ninguno de los dos. En este plano, empiezas a centrar la atención en el personaje, eres capaz de reconocer todos los detalles y características de lo retratado, con algo de información relevante del entorno. Este es el primer plano de los descritos hasta ahora, que entraría en la categoría de ‘retrato’, aunque es el plano más alejado del sujeto en este tipo de fotografía. Si te interesa el retrato, te recomiendo que combines este artículo sobre planos con el de Caro, que habla del lenguaje corporal en el retrato.

Plano ¾ o plano ‘americano’:
Este tipo de plano se conoce con el nombre de ‘americano o western’ debido a que se popularizó gracias a este género cinematográfico. El plano ¾, les permitía un buen encuadre de las cartucheras y un buen ángulo desde el que grabar cuando desenfundaban el arma. En este caso, el sujeto se encuadra aproximadamente de la cabeza hasta, poco más o menos, las rodillas. Este tipo de plano te permite resaltar suficientemente el rostro y la figura de la persona.

Plano medio o de cintura:
En este plano sí que centras por completo la atención en el sujeto fotografiado, además te estás acercando más, por lo que el grado de intimidad va aumentando progresivamente. Este plano se caracteriza por encuadrar al personaje desde la cabeza hasta la cintura. Es un plano muy utilizado en moda y en retratos ‘formales’ (entrevistas, retratos oficiales, presentadores de noticias…). Se considera un tipo de retrato intermedio en el que ya se empiezan a asociar los sentimientos y la intimidad al sujeto fotografiado.

Plano medio corto (o plano busto)
El plano medio corto incluye aproximadamente el rostro y el busto de la persona fotografiada. Aquí ya aparece la figura prácticamente descontextualizada, sobretodo si disparas en vertical. Su finalidad es la de capturar sentimientos, son imágenes más dramáticas y descriptivas.

Primer plano:
Es un plano del rostro incluyendo los hombros o parte de ellos. En este plano, ya se alcanza un grado muy elevado de intimidad. Con él se pretenden realzar los rasgos del rostro, la mirada, la expresión, los gestos…es el retrato del rostro propiamente dicho. Posee una elevada identificación emocional con el espectador.







Primerísimo primer plano:
La cara rellena por completo el encuadre, por lo que la mirada no se distrae con ningún elemento del fondo. El rostro es el mensaje en sí mismo, a través del cuál puedes expresar un pensamiento, un sentimiento o una emoción. Aquí el grado de intimidad y cercanía es extremo, así como el que percibe el espectador que observa la imagen. Puedes analizar perfectamente todos los rasgos de la cara, la mirada, etc. Tiene una gran carga íntima, y normalmente se encuadra desde el inicio de la cabeza hasta aproximadamente la barbilla.

Plano detalle:
Muestra el detalle de un objeto o de una persona. Si tienes un macro, este es un plano fascinante, como fascinante es, también, buscar esos detalles que nadie más ve, buscar la belleza en las pequeñas cosas (literalmente), sus texturas, sus colores… Puedes transmitir muchísimas sensaciones con sólo un pequeño fragmento de realidad.

¿Demasiados conceptos? Aquí te dejo una historia…
Érase una vez una mañana cualquiera detenida en el tiempo. Te diriges a una plaza abarrotada de gente (plano general largo). A medida que avanzas, ves algo que llama tu atención unos metros más allá (plano general), sigues avanzando para observarlo mejor, ya estás sólo a unos cuantos metros; a esta altura distingues la silueta con claridad, de la cabeza a los pies (plano entero). Puesto que todo sigue detenido y nadie te observa, decides acercarte aún más para observar con claridad. A estas alturas estás lo bastante cerca para distinguirlo perfectamente, aunque como miras de frente, empiezas a perderte la información de la zona inferior de la figura (plano ¾), un paso más y vislumbras perfectamente a tu sujeto de cintura para arriba (plano medio o de cintura), sólo un poco más, si alargas la mano puedes tocarlo, aunque como todo es un poco extraño prefieres no hacerlo… Un poco más, ahora sólo te centras en el busto y el rostro, (plano medio), otro paso, hombros y rostro (primer plano), y por fin, estás tan cerca que tienes su rostro justo enfrente del tuyo (rezas para que nadie te esté mirando o para que el mundo no vuelva a girar justo ahora) , analizas con detalle toda su expresión, sus rasgos, su mirada (primerísimo primer plano), pero lo que te interesa no está en el rostro, está en esos ojos, así que te acercas aún más y buscas en el reflejo (plano detalle). Te sorprende lo que estás viendo, ese reflejo… no refleja la plaza, reconoces el sofá, la estantería con los libros, la alfombra, ese cuadro horrible que te regalaron por tu cumpleaños…
Tipos de planos en función del ángulo de la cámara:
Plano cenital:
La cámara se sitúa por encima del personaje en ángulo perpendicularEs decir, tú estás justo encima de lo que estás fotografiando, y lo que estás fotografiando lo tienes justo debajo.

Plano picado:
La cámara se sitúa por encima del personaje pero en un ángulo más abierto que el cenital. Este tipo de ángulo dota a tu sujeto con una cierta carga dramática, puesto que posicionas a tu personaje u objeto por debajo de un ángulo ‘normal’, lo que lo empequeñece, y lo dota de un cierto grado de vulnerabilidad. Puedes usarlo en cualquier tipo de fotografía, pero verás que es común en fotografía de niños/as (puesto que son naturalmente mas pequeños).




Plano normal:
La cámara se sitúa paralela al suelo, es decir, tanto tú como tu cámara miráis de frente al personaje u objeto. Es nuestra forma habitual de mirar, evoca cercanía y confianza.

Plano contra-picado:
La cámara se sitúa por debajo del personaje. Este punto de vista realza al personaje, le otorgas fuerza y grandiosidad.

Plano nadir:
La cámara se sitúa completamente por debajo del personaje y perpendicular al suelo. Si el contra-picado agranda al personaje, el nadir le otorga unas proporciones casi irreales.

 Puedes verlos todos de forma agrupada en este esquema que te muestro a continuación:

Otros tipos de planos:
Contra-plano:
Es un plano bastante cinematográfico pero que también puedes usar en fotografía. Se trata de utilizar dos planos, uno contrapuesto al otro o en respuesta al otro. Por ejemplo una espalda de cara a nuestro personaje principal puede darnos una sensación de conexión, conversación o relación entre los dos personajes que aparecen, aunque de uno simplemente veamos la espalda.
Plano subjetivo:
Es un plano que en una sola imagen fotográfica no tiene demasiado sentido, puesto que se usa en cine para mostrar de forma subjetiva, qué es lo que está viendo el protagonista en ese momento. Puede, no obstante, serte útil en una serie fotográfica, así que por si acaso te lo presento 
Creo que la moraleja de este artículo se podría resumir en un imperativo con el que espero que estarás de acuerdo… ¡Muévete! Adelante, atrás, acércate, aléjate, súbete a una escalera, tírate al suelo… Ensúciate, desafía las alturas, pásatelo bien, que al final es siempre lo más importante. ¿Quieres esa fotografía? Ve a por ella Si la consigues, tus pantalones llenos de barro, tu jersey agujereado por la rama del árbol al que escalaste para conseguir ese cenital… todo habrá valido la pena. Cuando por fin llegues a casa y descargues esa imagen… Deberías ver tu cara en ese mágico instante. ¡La tengo! (Y si la fotografía no te acaba de salir bien, con todo lo que has aprendido sobre planos en este artículo, siempre te quedará el cine 
Y ya sabes, si te ha resultado útil, interesante, o te ha ayudado a solucionar alguna duda, compártelo con tus amigos, amigas, familiares o con quien tú quieras. ¡Muchas gracias!

http://www.blogdelfotografo.com/tipos-de-planos-en-fotografia/

















jueves, 19 de mayo de 2016

LA FOTOGRAFIA


                 El término de fotografía procede del griego φως (phōs, «luz»), y γραφή (grafḗ, «conjunto de líneas, escritura»), que, en conjunto, significa "escribir/grabar con la luz". Antes de que el término fotografía se utilizara, se conocía como daguerrotipia, ya que el descubrimiento fue hecho público por Louis Daguerre aunque parte de su desarrollo se debió a experiencias previas inéditas de Joseph-Nicéphore Niépce.

La fotografía es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas debidas a la acción de la luz. Es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas. Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda reducido. Para capturar y guardar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizan película sensible para la fotografía analógica, mientras que en la fotografía digital, se emplean sensores CCD, CMOS y memorias digitales. Este término sirve para denominar tanto al conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como a su resultado: las propias imágenes obtenidas o «fotografías».

Funcionamiento de la cámara

La cámara oscura es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica o el sensor electrónico se encargan de captarla. El almacenamiento de las imágenes capturadas depende del tipo de cámara, quedando guardadas en la misma película si se trata de máquinas clásicas, o en algún dispositivo de memoria en las digitales. En este último caso, la imagen resultante se almacena electrónicamente como información digital, pudiendo ser visualizada en una pantalla o reproducida en papel o en película.
Para realizar una toma, el fotógrafo configura previamente la cámara y la lente con el fin de ajustar la calidad de la imagen lumínica a ser proyectada sobre el material fotosensible. Al dispararse el obturador, dicho material es finalmente expuesto, provocando en él alteraciones químicas o físicas que constituyen una "imagen latente", aún no visible pero presente en su estructura interna. Tras un proceso adecuado, esta información se convierte en una imagen utilizable. En las cámaras clásicas el material sensible es una película o placa fotográfica; mientras que las digitales utilizan dispositivos electrónicos sensibles a la luz, que pueden estar basados en tecnología CCD o en CMOS.

La cámara de cine es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida de fotografías en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los ojos y el cerebro de una persona unen la secuencia de imágenes separadas y se crea la sensación de movimiento.

En todas las cámaras, excepto en algunas especializadas, el proceso de obtención de una exposición correcta se produce a través del ajuste de una serie de controles con los que se trata que la fotografía sea clara, nítida y bien iluminada. Los controles habituales que se incluyen son los siguientes:

El ajuste que sitúa el punto más nítido de la imagen donde se desee. En las cámaras modernas, existirán puntos de autoenfoque sobre los que el sistema de autoenfoque de la cámara tratará de enfocar.
El ajuste del diafragma de la lente, medible mediante el número f, el cual controla la cantidad de luz que pasa a través del objetivo. La apertura tiene efecto en dos elementos: la profundidad de campo y la difracción: cuánto más alto sea el número f, más pequeña será la apertura, menor la cantidad de luz que entre por el objetivo, mayor la profundidad de campo y también mayor el efecto difuminador de la difracción. La longitud focal dividida por el número f es lo que da el diámetro efectivo de la apertura.
El ajuste del lapso durante el cual el captor o la película es expuesto a la luz en cada toma. Las velocidades de disparo rápidas, o sea los tiempos de exposición cortos, decrementan tanto la cantidad de luz como la posibilidad de trepidación, debida al pulso, cuando se usa la cámara sin trípode.
En equipos digitales, la compensación electrónica de latemperatura de color asociada a unas determinadas condiciones lumínicas, asegurándose que la luz blanca es registrada como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los colores en la imagen parecerán naturales. En las cámaras de carrete, esta función se ejerce mediante la elección de determinados tipos de película fotográfica o con filtros correctores de color. Además de usar el balance de blancos para registrar la coloración natural de la imagen, los fotógrafos la pueden emplear con fines estéticos, por ejemplo, para obtener temperaturas de color más cálidas.
Medición
Cálculo de la exposición, de tal forma que tanto las luces altas como las sombras estén expuestas según las intenciones del fotógrafo. Antes de haber exposición automática en las cámaras, ésta era calculada mediante el uso de un dispositivo medidor de luz llamado exposímetro o mediante el conocimiento y la experiencia del fotógrafo a la hora de tomar las medidas. Para convertir una determinada cantidad de luz en un determinado tiempo de exposición y apertura usables, el medidor necesita que es ajuste la sensibilidad ASA de la película o ISO del captor a la luz.
Escala de sensibilidad fotográficaASA/DIN/ISO del captor.
Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la cámara la velocidad ASA/DIN de la película utilizada en cámaras de película. Hoy en día las velocidades ISO son empleadas en las cámaras modernas para indicar la ganancia de luz del sistema en formato numérico y para controlar el sistema de exposición automático. Cuanto mayor sea el número ISO, mayor será la sensibilidad de la película o del captor a la luz, mientras que con un número ISO menor, la película es menos sensible a la luz. Con una correcta combinación de velocidad ISO, apertura, y velocidad de disparo se consigue una imagen que no es ni demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto 'correctamente expuesta'.



Otros elementos también pueden tener un efecto pronunciado sobre la calidad o la estética de una fotografía; entre ellos los siguientes:



  • Longitud focal y tipo de objetivo.
  • Filtros fotográficos, 
  • sensibilidad 
  • La naturaleza del captor de luzLongitud focal y tipo de objetivo




 Longitud focal y tipo de objetivo(Teleobjetivo u objetivo "largo", Objetivo macro, gran angular, ojo de pez, u objetivo zoom). 




Filtros fotográficos, se sitúan entre el sujeto a fotografiar y el captor, pudiendo situarse por delante o detrás del objetivo.






Filtros protectores
Son vidrios sin ningún efecto esencial en la fotografía y se usansobre todo para proteger el lente del objetivo de la suciedad y arañazos. Los más habituales son el Filtro Skylight (o 1A) y el UV, que bloquean parte de la luz ultravioleta, reducen una posible dominante del color azul en las fotos y tienen un bajo costo.

Filtros de colores para emulsiones en blanco y negro
Los Filtros para blanco y negro se usan para dar o corregir la intensidad lumínica de algunas zonas del espectro (a cierto color) a la fotografía y se usan sobre todo en fotografía en blanco y negro, ya que ayudan a separar mejor los distintos tonos de un color en distintos tonos de grises.
Los hay de dos tipos:
Los de rosca: son los más simples, pues sólo se enroscan en el lente. Son más costosos porque tienen incorporado el anillo metálico.
Los de portafiltros: aunque la inversión inicial es más costosa, más tarde sólo es necesario cambiar el filtro, y no todo el armazón.
Los filtros usados para la fotografía en blanco y negro son específicos por su gran saturación, aunque también pueden usarse los de color:
El skylight o ultravioleta: sirve como protector y los cambios en la foto son mínimos, evitando pérdida de contraste en fotos de montaña.
Polarizadores: sirven para para quitar o reducir brillos y reflejos en ciertos objetos.
Densidad Neutra: Reduce la cantidad de luz.
De contraste: Los hay de todos los colores imaginables; su función en la fotografía B&N es la de aclarar su propio color y oscurecer su complementario. Los más utilizados son los amarillentos, anaranjados y rojos, que evitan que el cielo quede demasiado claro, permitiendo diferenciarse de las nubes.
Efectos Especiales: cantidad ilimitada de efectos.

Filtros de efectos
Filtros de degradado. Para oscurecer o colorear parte de la fotografía, por ejemplo el cielo.
Filtros de estrella. Para producir efectos en forma de estrellas (con un número de puntas variable) en los destellos de luz.
De efectos especiales.
Filtros de control de la luz
Polarizador: Eliminan reflejos indeseados en agua, cristales y otras superficies (excepto en los metales, como los objetos cromados) y produce colores más saturados al seleccionar los rayos de luz que entran en el lente de cámara fotográfica.1 El efecto puede cambiarse rotando una de las dos partes de que se compone el filtro y variando la orientación. Se percibe mejor en teleobjetivos u objetivos normales que en gran angulares. Los hay lineales o circulares:
Lineal: Los polarizadores lineales permiten regular la eliminación de reflejos, y son menos costosos, en general, que los circulares.
Circular: Los polarizadores circulares se diseñaron específicamente para el uso de cámaras con objetivos de enfoque automático o autofoco.
Filtro de densidad neutra.
Filtro ND ND (de Densidad Neutral), filtros grises para reducir la luz que incide en el objetivo. Este filtro está compuesto por partículas de zinc y una retícula de polarizado.
Filtros correctores de color, utilizados para corregir la temperatura de color de la luz dominante en la fotografía. Existen los anaranjados que bajan la temperatura de color, y los azulados, que suben dicho valor.
Sensibilidad del medio a la intensidad de la luz y longitud.
La longitud de onda es la distancia real que recorre una perturbación (unaonda) en un determinado intervalo de tiempo. Ese intervalo de tiempo es el transcurrido entre dos máximos consecutivos de alguna propiedad física de la onda. de onda de cada color.
La naturaleza del captor de luz; por ejemplo, su resolución medida en pixeles o granos de haluro de plata.

Principio de funcionamiento de la cámara fotográfica: la cámara oscura.
La cámara oscura no es más que un cajón herméticamente cerrado, al que se le ha practicado un pequeño orificio en una de sus caras. Al situar este “ingenio” en un lugar bien iluminado, los rayos de la luz pasarán a través del y darán lugar a una imagen invertida en la cara opuesta del cajón. Si tapamos el orificio y situamos una hoja de material sensible en el lugar donde se  forma la imagen podremos obtener una fotografía; para ello no habría más que destapar el orificio un determinado tiempo, volver a taparlo, sacar la película en la oscuridad y revelarla. De esta forma habríamos obtenido una imagen negativa que, una vez positivada, correspondería a la realidad. Esta sería la forma más simple y rudimentaria de obtener una fotografía, y constituye  el principio de funcionamiento de la cámara fotográfica.
PARTE DE LA CÁMARA


















Visores ópticos Reflex:
La imagen que entra por el objetivo es la misma que se ven en la pantalla de enfoque gracias a un espejo que está situado en el interior de la cámara, y que tiene una inclinación de 45º, que hace posible que esa imagen se releje. Se ve una imagen invertida, para corregir este defecto aparece el pentraprisma. Para enfocar tiene un telémetro especial: el estignómetro en el que la imagen se ve partida cuando no está enfocada.

Profesor. Ing. Roberto Mejías 
Bajado por: WIKIPEDIA 


miércoles, 11 de mayo de 2016

BIENVENIDOS A LA INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA

Bienvenidos estimados estudiantes del 3er. Trimestre de la Facultad de Comunicación de La UBA-Apure
Por aquí estaré evaluándolos como alumnos. La fotografía es muy bonita su ambiente no tan solo se refleja en recuerdos sino que también se utiliza en el arte visual y la parte reporterismo a nivel mundial desde hace muchísimos años como lo hemos visto desde la primera clase, ayuda a que los lectores no tan solo lean nada mas sino que también  vean por los medios escritos, es decir en los periódicos, revistas.

Hablar de la fotografía es muy amplio, complejo y muy lindo, útil e importante ya que deja evidencias de lo ocurrido en las noticias que les tocaran buscar en lo que lleguen a ser periodistas ya sean en audiovisual o escrito. pero si se van por lo escrito se darán cuenta que una imagen dice más que mil palabras.


Aquí les dejo la primera clase que vimos el Lunes 02 de mayo 





La importancia de la fotografía en el mundo del periodismo

24 de marzo de 2007     
Berrocal, Gil y Guillén, informadores gráficos, reivindican en la Universidad CEU San Pablo el papel del fotógrafo como ´verdadero periodista´.


Las X Jornadas de Fotoperiodismo, edición y diseño en prensa de la Universidad CEU San Pablo han acogido una mesa redonda en la que han participado los fotógrafos Miguel Berrocal, Ignacio Gil y Juan José Guillén, todos ellos ganadores del Premio Mingote de Fotografía. 

La importancia de la fotografía
La fotografía no es una comparsa, un simple complemento del texto de la noticia o un mero recurso estético. La fotografía, como ha resaltado Miguel Berrocal, fotógrafo de ABC, en las X Jornadas de Fotoperiodismo, edición y diseño en prensa de la Universidad CEU San Pablo, “puede llegar a pesar lo mismo que un editorial”. Junto a Berrocal participaban en una mesa redonda el también fotógrafo de ABC, Ignacio Gil, y el fotógrafo de la Agencia EFE, Juan José Guillén. 

Los tres han asentido ante la opinión expresada por Berrocal en torno a la entidad periodística e informativa del material fotográfico. “La fotografía no es complemento de nada. En sí es noticia, es información”. Una información absolutamente necesaria porque, por sus características propias, la fotografía, como ha observado Berrocal “cuenta aquello a lo que no pueden llegar las palabras escritas”. La de Berrocal, por tanto, ha sido una reivindicación del informador gráfico como “un verdadero periodista. Somos gente que sabemos hacer periodismo, que somos periodistas”, ha enfatizado. 
La fotografía, así planteada, ha de ser un vehículo de comunicación. Para ello, para que sea capaz de aportar cosas distintas, los tres participantes en la mesa redonda han insistido en que se debe huir de la imagen convencional a la que se intenta en muchas ocasiones abocar al fotógrafo. De ello, de la teledirección de la información gráfica en función de intereses particulares se ha quejado Ignacio Gil: “muchas veces más que a informaciones vamos a promociones donde intentan darte la información enlatada”. Ante ello, ha instado a ir con una actitud “de saltarse la norma”.

La búsqueda de la ruptura, de la imagen distinta se hace imperativa en el caso de una agencia. Lo sabe bien Juan José Guillén por su experiencia en EFE: “nuestro negocio es ofrecer una cosa diferente a lo que los periódicos ya puedan tener por sus propios medios”. Pero, ¿cómo encontrar esa fotografía que condense valores adicionales de información y emoción? El paradigma, ha expresado Berrocal, es dar con una “foto que no necesite ni titular”. Algo que requiere, en primer lugar “tener ojo, saber lo que quieres”, ha apreciado Gil. “Y tener un conocimiento de aquello que estás tratando para poder anticiparte. Por ejemplo, en tenis, disparar a Nadal cuando esté golpeando Federer”, ha agregado Guillén. 

Según http://noticias.universia.es



El periodismo fotográfico, periodismo gráfico, fotoperiodismo o reportaje gráfico :



Es un género del periodismo que tiene que ver directamente con la fotografía, el diseño gráfico y el vídeo. Los periodistas que se dedican a este género son conocidos por lo general como reporteros gráficos o fotoperiodistas y en su mayoría son fotógrafos versados en el arte. El desarrollo del periodismo gráfico puede rastrearse desde los mismos inicios del desarrollo de la fotografía y tiene una notable relación con la fotografía artística. El periódico utilizó la fotografía por primera vez en 1880, en el 
Daily Graphic de Nueva York y desde entonces el periodismo ha integrado la imagen como medio objetivo y representativo de un hecho. 











BREVE HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA

Antecedentes: La cámara oscura.


Remontarnos hasta los orígenes de la fotografía tiene como  motivo fundamental la búsqueda de las influencias pasadas a lo largo de la historia por la necesidad de encontrar procedimientos mecánicos para fijar la imagen.





De sobra conocido desde tiempos remotos es el efecto producido en una habitación cerrada y oscura cuando, a través de la rendija de una persiana o de la pared, observamos, en la pared contraria, la escena invertida del exterior reflejada en ella. Éste es el principio de las cámaras oscuras, bien conocidas por Aristóteles (384-322 a.C.) y por el óptico árabe del siglo XI Alhazán (9651038).
Estas cámaras se utilizaban para la observación de eclipses solares. Posteriormente, ya en el Renacimiento, Leonardo Da Vinci (1452- 1519) hará una minuciosa descripción de una cámara oscura y de los principios en que se basa.
Parece ser que ya en 1550 el milanés Hieronymus Cardano añade a una cámara oscura un “disco de cristal”, siendo probablemente ésta la primera lente de la historia utilizada para mejorar la calidad de la imagen obtenida por una cámara oscura. Hasta principios del siglo XIX las cámaras oscuras se siguieron utilizando fundamentalmente como ayuda para el dibujante, pero siempre había que repasar a mano la imagen que se proyectaba de forma más o menos nítida y luminosa, procedimiento era dibujar encima de un papel translúcido o encerado para así poder conservar la imagen.




Al igual que en el terreno de la óptica, ya se conocían desde tiempos remotos sustancias que alteraban sus propiedades al incidir sobre ellas la luz. (...) En 1725, el médico alemán Johan Heinrich Schulze (1687-1744) descubrió la sensibilidad a la luz de las sales de plata, pero no se le ocurrió utilizar estos productos dentro de la cámara oscura.

Además tenía otro problema y es que los resultados obtenidos eran efímeros, ya que las sales de plata se seguían ennegreciendo por la acción de la luz. El más importante de sus seguidores será el ginebrino Jean Sénebier (17421809), quien realizó una escala sensitométrica que reflejaba las variaciones del ennegrecimiento de las sales de plata según la luz que recibían.


El científico británico Thomas Wedgwood (1771-1805) fue el primero en introducir en una cámara oscura una placa preparada con nitrato de plata, pero, al comprobar que no obtenía resultados satisfactorios en los tiempos que él había calculado, abandonó los experimentos. 





Después de todo un cúmulo de casualidades, aparecerá la fotografía de la mano de Nicépliore Niépee. Pero tampoco fue así de simple, ya que su paternidad será discutida incluso hoy en día, ... De todas formas, resulta curioso que en este período tan corto (1816-1826) hubiese tantos “padres” que reclamasen el invento. Puede ser debido a que el terreno estaba ya suficientemente abonado para que surgiese en este instante preciso.

Los primeros fotógrafos: Niépce, Daguerre y Talbot.

Los primeros intentos fructíferos en la obtención de imágenes fotográficas vienen de la mano del francés Nicéphore Niépce (17651833). Éste basará sus investigaciones para la obtención de imágenes estables en los hallazgos de Sénebier, usando
sustancias que se endurecen o que se hacen insolubles por la acción de la luz, en particular de los rayos ultravioletas. Esta sustancia será el betún de Judea. Una vez seca la placa y expuesta a la luz, ésta se blanquea en vez de ennegrecer, y transforma en insolubles aquellas partes que no recibieron luz. Con esta técnica se obtenían imágenes directamente positivas, aunque invertidas de izquierda a derecha.
. Esta sustancia será el betún de Judea. Una vez seca la placa y expuesta a la luz, ésta se blanquea en vez de ennegrecer, y transforma en insolubles aquellas partes que no recibieron luz. Con esta técnica se obtenían imágenes directamente positivas, aunque invertidas de izquierda a derecha.

Esta sustancia será el betún de Judea. Una vez seca la placa y expuesta a la luz, ésta se blanquea en vez de ennegrecer, y transforma en insolubles aquellas partes que no recibieron luz. Con esta técnica se obtenían imágenes directamente positivas, aunque invertidas de izquierda a derecha.




La primera y más antigua fotografía conocida es de 1826. Esta primera imagen, llamada por Niépce point de vue (punto de vista), son impresiones directas de la realidad, para diferenciarlas de las heliografías (…imágenes sobre papel mediante la cámara oscura ...). Consigue imágenes negativas, logrando fijarlas sobre papel tratado con cloruro de plata, mediante el ácido nítrico; ... Obtuvo dicha imagen, realizada sobre una placa de peltre (aleación de cine, plomo y estaño) ... después de una exposición de ocho horas.
Jacques Mandé Daguerre (1791-1851) supo aprovecharse del invento de Niépce. Este último, arruinado por sus infructuosas investigaciones, decide firmar, el 14 de diciembre de 1829, un contrato de asociación con el señor Daguerre. A la muerte de Niépce en 1833, Daguerre encontrará vía libre para adjudicarse la paternidad del invento.

Daguerre podrá hacer oficial su invento gracias a su contacto con el diputado liberal Frangois Arago, quien presentó, el 7 de enero de 1839, en la Academia de Ciencias de París, el invento de Daguerre. 













Parece que durante estos años Daguerre estuvo investigando la posibilidad de obtener imágenes en color sin ningún éxito, de ahí que tardase en dar a conocer su sistema. Esto defraudó en los ambientes de la época, pues se esperaba conseguir imágenes no sólo fieles a la realidad, sino también con los colores de la naturaleza.
Habría que esperar algunos años más para conseguir color en las fotografías (En 1861 el físico británico James Clerk Maxwell obtendrá, a través de la síntesis aditiva de los colores, imágenes proyectadas en color. En 1869 Louis Ducos du Hauron, y paralelamente Charles Cross, obtendrían también imágenes en color a través del método sustractivo). Por el momento, se tuvieron que conformar con “iluminar” (colorear) los daguerrotipos a mano.

Casi al mismo tiempo, en 1835, el inglés Herny Fox Talbot (1800-1877) realizará su primer negativo fotográfico... Sus primeros ensayos dejaban bastante que desear, comparados con la técnica de moda del momento: el daguerrotipo. Pero tenemos un cambio trascendental en la concepción de su invento: se obtenía un negativo, abriendo así la posibilidad de hacer numerosas copias iguales. Esto lo diferenciaría radicalmente del daguerrotipo e influiría decisivamente en el concepto conocido hoy en día corno fotografía.






La técnica inventada por Talbot se llamó calotipia (del griego kalos: bello, y typos: impresión), Ésta consistía en emulsionar con sales de plata un papel que posteriormente era encerado para proporcionarle cierta transparencia. El resultado así obtenido tenía el inconveniente de que parte de la propia textura del papel que se usaba como negativo se plasmaba en la copia final, confiriéndole el aspecto típico de esta técnica, es decir, imágenes poco nítidas.
... La daguerrotipia se extendió rápida y popularmente por toda Europa, y principalmente por Estados Unidos, donde perduró hasta 1860, Sin embargo, no llegó a cuajar como algo perdurable. El calotipo, por contra, fue el primer sistema fotográfico negativo-positivo.

Este transformará la fotografía en un medio popular y democrático. El hecho de poder obtener tantas copias como se deseara de una misma toma llevaría consigo una socialización de la  imagen. Por tanto, la esencia de la fotografía no sólo va a consistir en la fijación única de la imagen por la cámara, sino también en su reproducibilidad casi infinita, es decir, su multiplicidad.





PROFESOR: REPORTERO GRÁFICO FOTÓGRAFO PROFESIONAL
ING. MEJÍAS ROBERTO